Louis Armstrong : biographie & portrait du célèbre musicien Jazz

Louis Armstrong : biographie & portrait du célèbre musicien Jazz
4.2 (84%) 20 votes

Louis Armstrong était trompettiste, chef d’orchestre, chanteur, soliste, vedette de cinéma et comédien. Considéré comme l’un des artistes les plus influents de l’histoire du jazz, il est connu pour ses chansons comme « Star Dust », « La Vie En Rose » et « What a Wonderful World ».

D’après le site du musée de la maison Louis Armstrong : « Les réalisations de Louis Armstrong sont remarquables. » Voici un bref historique de sa carrière et un résumé de la biographie de Louis Armstrong :

  • Louis Armstrong a participé grandement au développement d’une façon de jouer du jazz, en tant qu’instrumentiste et chanteur, qui a eu un impact sur tous les musiciens à suivre.
  • Louis Armstrong a enregistré des chansons à succès pendant cinq décennies, et sa musique est toujours entendue aujourd’hui à la télévision, à la radio et au cinéma.
  • Louis Armstrong a écrit deux autobiographies, plus de dix articles de revues, des centaines de pages de mémoires et des milliers de lettres.
  • En 1957, il est le seul musicien de Black Jazz à s’élever publiquement contre la ségrégation scolaire.
  • Louis Armstrong est si populaire que les belligérants de la République démocratique du Congo en Afrique centrale ont temporairement cessé les combats en 1960 pour assister à un concert d’Armstrong.
  • Louis Armstrong a joué dans plus de trente films (dont plus d’une vingtaine de longs métrages) en tant qu’acteur talentueux avec un timing comique superbe et une joie de vivre sans fard.
  • Il a composé des douzaines de chansons qui sont devenues des standards du jazz.
  • Louis Armstrong donne en moyenne 300 concerts par an, ses fréquentes tournées dans le monde entier lui valent le surnom d' »Ambassadeur Satch », ce qui en fait l’une des premières grandes célébrités du XXe siècle.

Qui était Louis Armstrong ?

Louis Armstrong, surnommé « Satchmo », « Pops » et, plus tard, « Ambassador Satch », est né en 1901 à la Nouvelle-Orléans, Louisiane. Virtuose des étoiles, il s’est fait connaître dans les années 1920, influençant d’innombrables musiciens par son style de trompette audacieux et sa voix unique.

La présence charismatique d’Armstrong sur scène a impressionné non seulement le monde du jazz, mais toute la musique populaire. Il a enregistré plusieurs chansons tout au long de sa carrière, dont « Star Dust », « La Vie En Rose » et « What a Wonderful World ». Armstrong mourut chez lui dans le Queens, New York, le 6 juillet 1971.

Jeunes années

Louis Armstrong est né le 4 août 1901 à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, dans un quartier si pauvre qu’on l’a surnommé « The Battlefield ».

Armstrong a eu une enfance difficile. Son père était ouvrier d’usine et abandonna la famille peu après la naissance de Louis ; sa mère, qui se tournait souvent vers la prostitution, le laissait souvent avec sa grand-mère maternelle. Armstrong a été obligé de quitter l’école en cinquième année pour commencer à travailler.

Une famille juive locale, les Karnofsky, a donné au jeune Armstrong un travail de ramasseur de ferraille et de livreur de charbon. Ils l’encouragent aussi à chanter et l’invitent souvent chez eux pour les repas.

En 1912, le soir du Nouvel An, Armstrong a tiré en l’air avec l’arme de son beau-père lors d’une célébration du Nouvel An et a été arrêté sur-le-champ. Il a ensuite été envoyé au Colored Waif’s Home for Boys.

C’est là qu’il reçut un enseignement musical sur le cornet et qu’il tomba amoureux de la musique. En 1914, le foyer l’a libéré et il a immédiatement commencé à rêver d’une vie de musicien.

King Oliver et Louis Armstrong

Alors qu’il doit encore faire des petits boulots pour vendre des journaux et transporter du charbon dans le célèbre quartier chaud de la ville, Armstrong commence à se faire une réputation de grand joueur de blues. L’un des plus grands cornettistes de la ville, Joe « King » Oliver, commença à servir de mentor au jeune Armstrong, en lui montrant des pointeurs au cornet et en l’utilisant parfois comme sous-marin.

À la fin de son adolescence, Armstrong avait grandi rapidement. En 1918, il épousa Daisy Parker, une prostituée, qui commença une union tumultueuse marquée par de nombreux arguments et actes de violence.

Pendant ce temps, Armstrong a adopté un garçon de trois ans du nom de Clarence. La mère du garçon, la cousine d’Armstrong, était morte en couches. Clarence, qui était devenu mentalement handicapé à la suite d’une blessure à la tête qu’il avait subie à un jeune âge, a été pris en charge par Armstrong toute sa vie.

Le destin qui l’a conduit à Marable

Entre-temps, la réputation d’Armstrong en tant que musicien ne cesse de grandir : En 1918, il remplace Oliver dans le groupe de Kid Ory, alors le groupe le plus populaire de la Nouvelle-Orléans. Rapidement, il a pu cesser de travailler manuellement et s’est concentré à plein temps sur son cornet, ses soirées, ses danses, ses marches funèbres et les « honky-tonks » locaux – un nom pour les petits bars qui accueillent généralement des spectacles musicaux.

À partir de 1919, Armstrong passe ses étés à jouer sur des bateaux de rivière avec un groupe dirigé par Fate Marable. C’est sur le bateau qu’Armstrong a perfectionné ses compétences en lecture musicale et qu’il a fait ses premières rencontres avec d’autres légendes du jazz, dont Bix Beiderbecke et Jack Teagarden.

Big Band Jazz

Bien qu’Armstrong se contenta de rester à la Nouvelle-Orléans, à l’été 1922, il reçut un appel du roi Oliver pour venir à Chicago et rejoindre son Creole Jazz Band en deuxième cornet.

Armstrong a accepté, et il a rapidement pris d’assaut Chicago avec son jeu remarquablement fougueux et les bris de deux cornettes éblouissants qu’il a partagés avec Oliver. Il fait ses premiers enregistrements avec Oliver le 5 avril 1923 ; ce jour-là, il obtient son premier enregistrement solo sur « Chimes Blues ».

Armstrong commença bientôt à sortir avec la pianiste Lillian Hardin. Après leur mariage en 1924, Hardin a dit clairement qu’elle pensait qu’Oliver retenait Armstrong. Elle a poussé son mari à couper les ponts avec son mentor et à se joindre au Fletcher Henderson’s Orchestra, le meilleur groupe de danse afro-américain à New York à l’époque.

Armstrong se joint à Henderson à l’automne 1924 et fait immédiatement sentir sa présence avec une série de solos qui introduisent le concept de la musique swing dans le groupe. Armstrong a eu une grande influence sur Henderson et son arrangeur, Don Redman, qui ont tous deux commencé à intégrer le vocabulaire swingant d’Armstrong dans leurs arrangements – transformant le groupe de Henderson en ce qui est généralement considéré comme le premier big band jazz.

Cependant, l’origine méridionale d’Armstrong ne s’accordait pas bien avec la mentalité plus urbaine et nordique des autres musiciens d’Henderson, qui lui faisait parfois passer des moments difficiles sur sa garde-robe et sa façon de parler. Henderson interdit également à Armstrong de chanter, craignant que sa façon brutale de chanter ne soit trop grossière pour le public sophistiqué de la Roseland Ballroom.

Malheureux, Armstrong quitte Henderson en 1925 pour retourner à Chicago, où il commence à jouer avec le groupe de sa femme Lil au Dreamland Café.

Louis Armstrong et ses Hot Five

Pendant son séjour à New York, Armstrong a enregistré des douzaines de disques en tant que sideman, créant du jazz inspirant avec d’autres grands comme Sidney Bechet, et soutenant de nombreux chanteurs de blues, dont Bessie Smith.

De retour à Chicago, OKeh Records décide de laisser Armstrong faire ses premiers disques avec un groupe sous son propre nom : Louis Armstrong et ses Hot Five. De 1925 à 1928, Armstrong a enregistré plus de 60 disques avec les Hot Five et, plus tard, les Hot Seven.

Aujourd’hui, ces enregistrements sont généralement considérés comme les plus importants et les plus influents de l’histoire du jazz ; sur ces disques, le génie virtuose d’Armstrong a contribué à transformer le jazz d’une musique d’ensemble en un art soliste. Ses solos stop time sur des titres comme « Cornet Chop Suey » et « Potato Head Blues » ont changé l’histoire du jazz, avec des choix rythmiques audacieux, des phrasés swingants et des notes aigües incroyables.

Il a également commencé à chanter sur ces enregistrements, popularisant le « scat singing » sans paroles avec sa voix extrêmement populaire sur « Heebie Jeebies » de 1926.

Les Hot Five et les Hot Seven étaient strictement des groupes d’enregistrement ; Armstrong se produisait tous les soirs pendant cette période avec l’orchestre d’Erskine Tate au Vendome Theater, jouant souvent de la musique pour le cinéma muet. En 1926, alors qu’il jouait avec Tate, Armstrong passa finalement du cornet à la trompette.

Earl Hines

La popularité d’Armstrong a continué de croître à Chicago tout au long de la décennie, alors qu’il a commencé à jouer sur d’autres scènes, dont le Sunset Café et le Savoy Ballroom. Earl Hines, un jeune pianiste de Pittsburgh, a assimilé les idées d’Armstrong dans son jeu de piano.

Ensemble, Armstrong et Hines formèrent une puissante équipe et réalisèrent certains des plus grands enregistrements de l’histoire du jazz en 1928, dont leur duo virtuose, « Weather Bird » et « West End Blues ». Cette dernière performance est l’une des œuvres les plus connues d’Armstrong, s’ouvrant sur une cadence étonnante qui présente à la fois l’opéra et le blues ; avec sa sortie, « West End Blues » a prouvé au monde entier que le genre musical du fun, la danse jazz était aussi capable de produire du grand art.

Louis Armstrong et le cinéma

À l’été 1929, Armstrong se rend à New York, où il joue un rôle dans une production de Broadway des Hot Chocolates de Connie, avec la musique de Fats Waller et Andy Razaf. Armstrong a été présenté chaque soir dans Ain’t Misbehavin’, brisant les foules de spectateurs blancs tous les soirs.

La même année, il enregistre avec de petits groupes influencés par la Nouvelle-Orléans, dont les Hot Five, et commence à enregistrer de plus grands ensembles. Au lieu de faire uniquement du jazz, OKeh a commencé à permettre à Armstrong d’enregistrer des chansons populaires de l’époque, comme « I Can’t Give You Anything But Love », « Star Dust » et « Body and Soul ».

Les audacieuses transformations vocales de ces chansons par Armstrong ont complètement changé le concept du chant populaire dans la musique populaire américaine et ont eu des effets durables sur tous les chanteurs qui l’ont suivi, dont Bing Crosby, Billie Holiday, Frank Sinatra et Ella Fitzgerald.

Satchmo

En 1932, Armstrong, maintenant connu sous le nom de Satchmo, avait commencé à apparaître dans les films et fit sa première tournée en Angleterre. Alors qu’il était aimé des musiciens, il était trop fou pour la plupart des critiques, qui lui ont donné certaines des critiques les plus racistes et les plus dures de sa carrière.

Mais Satchmo ne se laissa pas arrêter par la critique, et il devint une star encore plus grande lorsqu’il commença une tournée plus longue à travers l’Europe en 1933. Dans une étrange tournure des événements, c’est au cours de cette tournée que la carrière d’Armstrong s’est effondrée : Des années à souffler des notes aiguës avaient fait des ravages sur les lèvres d’Armstrong et, à la suite d’une bagarre avec son manager Johnny Collins-qui avait déjà réussi à mettre Armstrong dans le pétrin avec la mafia américaine-il avait été abandonné par Collin à l’étranger.

Armstrong décida de prendre un congé peu de temps après l’incident et passa une grande partie de 1934 à se détendre en Europe et à reposer ses lèvres.

Quand Armstrong revint à Chicago en 1935, il n’avait ni orchestre, ni engagement, ni contrat d’enregistrement. Ses lèvres étaient encore douloureuses, et il restait encore des restes de ses problèmes de mafia et avec Lil, qui, après la séparation du couple, poursuivait Armstrong.

Il s’est tourné vers Joe Glaser pour obtenir de l’aide ; Glaser avait ses propres liens avec la mafia, ayant été proche d’Al Capone, mais il avait aimé Armstrong depuis qu’il l’avait rencontré au Sunset Café (Glaser avait possédé et géré le club).

Armstrong mit sa carrière entre les mains de Glaser et lui demanda de faire disparaître ses problèmes. C’est ce qu’a fait Glaser ; en quelques mois, Armstrong avait un nouveau big band et enregistrait pour Decca Records.

Les  » premières  » afro-américaines

Au cours de cette période, Armstrong établit un certain nombre de « premières » afro-américaines. En 1936, il devient le premier musicien de jazz afro-américain à écrire une autobiographie : Swing That Music.

La même année, il est devenu le premier Afro-Américain à figurer dans un grand film hollywoodien avec son tour dans Pennies from Heaven, mettant en vedette Bing Crosby. En outre, il est devenu le premier artiste afro-américain à animer une émission de radio parrainée par le pays en 1937, lorsqu’il a pris en charge Fleischmann’s Yeast Show de Rudy Vallee pendant 12 semaines.

Armstrong a continué à apparaître dans les films majeurs avec des gens comme Mae West, Martha Raye et Dick Powell. Il a également été une présence fréquente à la radio, et a souvent battu des records de box-office à l’apogée de ce qui est maintenant connu sous le nom de « l’ère du Swing ».

La lèvre entièrement guérie d’Armstrong a fait sentir sa présence sur certains des plus beaux enregistrements de sa carrière, dont « Swing That Music », « Jubilee » et « Struttin’ with Some Barbecue ».

Mariages et divorces

En 1938, Armstrong a finalement divorcé de Lil Hardin et épousé Alpha Smith, qu’il fréquentait depuis plus d’une décennie. Leur mariage n’a pas été heureux, cependant, et ils ont divorcé en 1942. La même année, Armstrong se marie pour la quatrième et dernière fois ; il épouse Lucille Wilson, une danseuse du Cotton Club.

Lorsque Wilson en a assez de vivre dans une valise pendant des nuits sans fin, elle a convaincu Armstrong d’acheter une maison au 34-56 107th Street à Corona, Queens, New York. En 1943, les Armstrong emménagèrent dans la maison, où ils passeront le reste de leur vie.

Au milieu des années 40, le Swing Era se terminait et l’ère des big bands était presque terminée. En voyant « l’écriture sur le mur », Armstrong se réduisit à un plus petit combo de six pièces, les All Stars ; le personnel changeait fréquemment, mais ce serait le groupe avec lequel Armstrong jouerait en concert jusqu’à la fin de sa carrière.

Jack Teagarden, Earl Hines, Sid Catlett, Barney Bigard, Trummy Young, Edmond Hall, Billy Kyle et Tyree Glenn, entre autres légendes du jazz, faisaient partie du groupe à un moment ou un autre.

Armstrong continue d’enregistrer pour Decca à la fin des années 1940 et au début des années 1950, créant une série de succès populaires, dont « Blueberry Hill », « That Lucky Old Sun », « La Vie En Rose », « A Kiss to Build a Dream On » et « I Get Ideas ».

Armstrong s’est joint à Columbia Records au milieu des années 1950, et a bientôt composé certains des meilleurs albums de sa carrière pour le producteur George Avakian, dont Louis Armstrong Plays W.C. Handy et Satch Plays Fats. C’est aussi pour Columbia qu’Armstrong a marqué l’un des plus grands succès de sa carrière : Sa transformation jazz de « Mack the Knife » de Kurt Weill.

Ambassadeur Satch

Au milieu des années 50, la popularité d’Armstrong à l’étranger a explosé. Cela a conduit certains à changer son surnom de longue date, Satchmo, en « Ambassadeur Satch ».

Il s’est produit dans le monde entier dans les années 1950 et 1960, y compris en Europe, en Afrique et en Asie. Edward R. Murrow, le légendaire journaliste de CBS, a suivi Armstrong avec une équipe de tournage lors de certaines de ses excursions à travers le monde, transformant les images en un documentaire pour le cinéma, Satchmo le Grand, sorti en 1957.

Bien que sa popularité ait atteint de nouveaux sommets dans les années 1950, et malgré le fait qu’il ait fait tomber tant d’obstacles à sa race et qu’il ait été un héros pour la communauté afro-américaine pendant tant d’années, Armstrong a commencé à perdre son statut avec deux segments de son public : Les fans de jazz moderne et les jeunes Afro-Américains.

Le bebop, une nouvelle forme de jazz, avait fleuri dans les années 1940. Mettant en vedette de jeunes génies comme Dizzy Gillespie, Charlie Parker et Miles Davis, la jeune génération de musiciens se considérait comme des artistes et non comme des amuseurs.

Ils ont vu le personnage de scène et la musique d’Armstrong comme démodés et l’ont critiqué dans la presse. Armstrong s’est défendu, mais pour beaucoup de jeunes fans de jazz, il était considéré comme un artiste dépassé, avec ses meilleurs jours derrière lui.

Le mouvement des droits civiques se tendait de plus en plus chaque année, avec de plus en plus de protestations, de marches et de discours d’Afro-Américains qui voulaient l’égalité des droits. Pour beaucoup de jeunes auditeurs de jazz de l’époque, le comportement toujours souriant d’Armstrong semblait d’une époque révolue, et le refus du trompettiste de commenter la politique pendant de nombreuses années n’a fait que renforcer la perception qu’il n’était plus en contact.

Little Rock Nine

Ce point de vue a changé en 1957, lorsque Armstrong a vu à la télévision la crise d’intégration de l’école secondaire Little Rock Central High School. Le gouverneur de l’Arkansas, Orval Faubus, a envoyé la Garde nationale pour empêcher les neuf étudiants afro-américains de Little Rock d’entrer dans l’école publique.

Quand Armstrong a vu cela – ainsi que les manifestants blancs qui lançaient des invectives aux étudiants – il a fait sauter son toit à la presse, disant à un journaliste que le président Dwight D. Eisenhower n’avait « pas le courage » de laisser Faubus diriger le pays, et déclarant, « La façon dont ils traitent mon peuple dans le Sud, le gouvernement peut aller en enfer ».

Les mots d’Armstrong ont fait la une des journaux du monde entier. Bien qu’il ait finalement pris la parole après des années de silence public, il a été critiqué à l’époque par des personnalités publiques tant noires que blanches. Pas un seul musicien de jazz qui l’avait critiqué auparavant n’a pris son parti, mais aujourd’hui, c’est considéré comme l’un des moments les plus courageux et définitifs de la vie d’Armstrong.

Sharon Preston

Les quatre mariages d’Armstrong n’ont jamais produit d’enfants, et parce que lui et son épouse Lucille Wilson avaient activement essayé pendant des années sans succès, beaucoup le croyaient stérile, incapable d’avoir des enfants.

Cependant, la controverse concernant la paternité d’Armstrong a éclaté en 1954, lorsqu’une amie avec laquelle le musicien était sorti, Lucille « Sweets » Preston, a déclaré qu’elle était enceinte de son enfant. Preston a donné naissance à une fille, Sharon Preston, en 1955.

Peu de temps après, Armstrong s’est vanté de l’enfant auprès de son directeur, Joe Glaser, dans une lettre qui sera publiée plus tard dans le livre Louis Armstrong In His Own Words (1999). Par la suite, jusqu’à sa mort en 1971, cependant, Armstrong n’a jamais dit publiquement s’il était en fait le père de Sharon.

Ces dernières années, la fille présumée d’Armstrong, qui porte maintenant le nom de Sharon Preston Folta, a publié diverses lettres entre elle et son père. Les lettres, datées de 1968 déjà, prouvent qu’Armstrong avait en effet toujours cru que Sharon était sa fille, et qu’il avait même payé ses études et sa maison, entre autres choses, tout au long de sa vie. Peut-être plus important encore, les lettres détaillent également l’amour paternel d’Armstrong pour Sharon.

Bien que seul un test ADN puisse prouver officiellement l’existence d’un lien de parenté entre Armstrong et Sharon – et il n’y en a jamais eu entre les deux – les croyants et les sceptiques peuvent au moins s’entendre sur une chose : l’étrange ressemblance de Sharon avec la légende du jazz.

Fin de carrière

Armstrong a poursuivi un programme de tournée éreintant jusqu’à la fin des années 1950, et il l’a rattrapé en 1959, lorsqu’il a eu une crise cardiaque pendant un voyage à Spoleto, en Italie. Le musicien n’a pas laissé l’incident l’arrêter, cependant, et après avoir pris quelques semaines de congé pour se rétablir, il a repris la route, jouant 300 soirs par an dans les années 1960.

Armstrong était encore une attraction populaire dans le monde en 1963, mais n’avait pas fait un record en deux ans. En décembre de la même année, il est appelé en studio pour enregistrer le numéro de titre d’un spectacle de Broadway qui n’a pas encore ouvert : Hello, Dolly !

Le disque sort en 1964 et se hisse rapidement au sommet des palmarès de la musique pop, atteignant la première place en mai 1964, et faisant tomber les Beatles au sommet de la Beatlemania.

Cette nouvelle popularité fait connaître Armstrong à un nouveau public plus jeune, et il continue à enregistrer des disques à succès et à donner des concerts pendant le reste de la décennie, jusqu’à briser le « rideau de fer » avec une tournée dans des pays communistes tels que Berlin-Est et la Tchécoslovaquie en 1965.

En 1967, Armstrong enregistre une nouvelle ballade, « What a Wonderful World ». Différent de la plupart de ses enregistrements de l’époque, la chanson ne comporte pas de trompette et place la voix graveleuse d’Armstrong au milieu d’un lit de cordes et de voix angéliques.

Armstrong a chanté ce numéro en pensant à sa maison dans le Queens, mais « What a Wonderful World » n’a reçu que peu de promotion aux Etats-Unis. La chanson est cependant devenue un succès mondial, y compris en Angleterre et en Afrique du Sud, et est finalement devenue la chanson la plus durable d’Armstrong après avoir été utilisée dans le film Good Morning, Vietnam, en 1986.

Dernières années

En 1968, le mode de vie éreintant d’Armstrong l’avait finalement rattrapé. Des problèmes cardiaques et rénaux l’ont forcé à arrêter de jouer en 1969. La même année, son directeur de longue date, Joe Glaser, est décédé. Armstrong passa une grande partie de l’année à la maison, mais réussit à continuer à pratiquer la trompette quotidiennement.

À l’été 1970, Armstrong est autorisé à se produire de nouveau en public et à jouer de la trompette. Après un engagement réussi à Las Vegas, Armstrong a commencé à prendre des engagements dans le monde entier, notamment à Londres, Washington et New York (il a joué pendant deux semaines au Waldorf-Astoria de New York). Cependant, une crise cardiaque deux jours après le concert de Waldorf l’a mis sur la touche pendant deux mois.

Armstrong est retourné chez lui en mai 1971, et bien qu’il ait rapidement recommencé à jouer et promis de jouer en public une fois de plus, il est mort dans son sommeil le 6 juillet 1971, chez lui dans le Queens, à New York.

L’héritage de Satchmo

Depuis sa mort, la stature d’Armstrong n’a cessé de croître. Dans les années 1980 et 1990, de jeunes musiciens de jazz afro-américains comme Wynton Marsalis, Jon Faddis et Nicholas Payton ont commencé à parler de l’importance d’Armstrong, tant comme musicien que comme être humain.

Une série de nouvelles biographies sur Armstrong rendit son rôle de pionnier des droits civiques très clair et, par la suite, prôna l’adoption de l’ensemble de sa carrière, et non seulement des enregistrements révolutionnaires des années 1920.

La maison d’Armstrong à Corona, dans le Queens, a été déclarée monument historique national en 1977 ; aujourd’hui, elle abrite le Louis Armstrong House Museum, qui accueille chaque année des milliers de visiteurs du monde entier.

L’une des figures les plus importantes de la musique du XXe siècle, les innovations d’Armstrong en tant que trompettiste et chanteur sont aujourd’hui largement reconnues et continueront de l’être dans les décennies à venir.

Laisser un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *