Photo gracieuseté de l'artiste.
Dans l'esprit de groupes issus du Midwest américain tels que Happy Apple et The Bad Plus, le bassiste Chris Morrissey a cultivé un langage musical qui fusionne une expressivité directe du rock avec un penchant pour l'expérimentation formelle et l'improvisation féroce. Depuis quelques années, le groupe Standard Candle, composé du guitariste Gray McMurray, du batteur Josh Dion et des présidents tournants du saxophone Mike Lewis et Nick Videen, est le principal acteur de Morrissey en tant que compositeur et chef d’orchestre. En se basant sur du matériel écrit pour une commission de résidence de la Jazz Gallery en 2015, Morrissey a publié l'album. Rire et rire l'année dernière.
Ce jeudi 20 juin, Morrissey convoquera un nouveau groupe à la Galerie, avec le trompettiste Philip Dizack, le pianiste Jon Cowherd, le guitariste Ryan Ferreira et le batteur Dan Rieser. Nous avons contacté Morrissey par téléphone pour parler de ses projets pour le groupe et pour réinventer les anciennes chansons de manière nouvelle.
The Jazz Gallery: Vous apportez un nouveau groupe à la galerie cette semaine. Avez-vous un nouveau livre de musique aussi?
Chris Morrissey: Je fais beaucoup de la musique qui est issue de ma commande à la Gallery d’il ya quelques années, mais avec un personnel différent. Certaines pièces plus récentes ont été écrites avec une identité similaire à celle de la musique à commission. J’ai ajouté un pianiste au groupe et j’ai changé l’instrument mélodique de saxophone à trompette. J’ai l’impression que ces dernières années m’ont fait le point sur mon catalogue et le choix de la musique que je voulais encore jouer dans ce nouveau cadre. Je voulais choisir des chansons qui étaient toujours fidèles à moi, toujours actuelles, et les essayer dans ce nouvel environnement.
TJG: Lorsque vous avez réalisé le projet de commande original, vous avez dit vouloir activer plus explicitement le côté rock de votre musique. Maintenant que vous parcourez vos compositions, qui incluent également des instruments plus orientés vers le jazz, trouvez-vous des points de contact esthétiques entre différentes pièces que vous n’avez jamais vues auparavant?
CM: Ils partagent tous l'ADN, donc la sélection de chansons a plus à voir avec les chansons que j'aime le plus et qui vont travailler dans un quintet. Je voulais voir le catalogue avec un regard neuf, et être plus clair et plus simple avec comment et quand je le présente.
Je voulais aussi devenir beaucoup plus flexible avec la façon dont je présente cette musique. J'ai pris cette année et suis devenu quelque peu compétent dans le logiciel de notation musicale Sibelilus. Je voulais créer des documents clairs sur la musique afin que je ne sois pas uniquement attaché aux personnes qui ont la musique mémorisée. C’est un peu une concession, car un groupe de travail est un rêve. Et en tant que Minnesotan, sortant de l’école de Happy Apple, où la musique était toujours mémorisée et où le personnel n’était pas malléable. La réalité à New York est différente. Je pense que la scène new-yorkaise récompense les bons lecteurs.
En fin de compte, j’ai pris cette charte graphique pour clarifier la façon dont je veux que la musique soit jouée. De plus, je peux maintenant réserver des spectacles avec une plus grande communauté de musiciens qui ne prennent pas un mois pour mémoriser une tonne de musique, ce que Josh, Gray, Mike et moi avons fait pour Standard Candle.
TJG: Je voudrais savoir comment vous travaillez avec ces deux traditions d’écriture de chansons différentes. D’un côté, c’est la tradition de composition de chansons de ce groupe, selon laquelle le matériel est travaillé en groupe et transmis par la voix. De l’autre côté, il ya la tradition la plus commerciale – comme Tin Pan Alley ou Brill Building – selon laquelle un seul auteur-compositeur écrit une chanson qui pourrait potentiellement être interprétée par de nombreux artistes différents. Comment la musique change-t-elle lorsqu'elle est traduite d'une méthode à une autre?
CM: Les arrangements pour certaines des choses les plus anciennes ont été étoffés en tant que groupe avec Gray McMurray, Josh Dion et Mike Lewis, et plus tard, Nick Videen. Ils ont donné vie à cette musique. Les arrangements, et la manière dont ils se sont approfondis avec ces acteurs en particulier, ont fait leur chemin dans les arrangements notés. Il porte toujours les marques de ce groupe, bien sûr. Maintenant, juste parce qu'il y a différentes personnalités dans le groupe, cela prend une nouvelle forme.
Bien que j’ai parlé de ma volonté d’écrire de la musique à laquelle je puisse connecter d’autres personnes, je tiens à préciser que cette émission n’est pas une sorte de session de lecture. Nous avons beaucoup répété au cours des derniers mois et l'édition de graphiques est comme mon nouveau travail à temps plein. Donc, il n’ya pas eu moins d’effort dans la culture. Mais présenter aux musiciens un tableau est un moyen de définir ce que je veux et ce que j’entends et espère présenter de manière suffisamment claire pour qu’ils ne soient pas embourbés par une description conceptuelle nébuleuse issue d’une répétition. Au cours des dernières répétitions, j’ai eu l’impression d’être arrivé à un nouvel endroit, celui où je voulais présenter ces chansons.
Malgré toutes les forces d'un groupe socialiste libre, il existe certaines faiblesses. C’est agréable de voir l’autre côté de la scène et d’entamer une répétition avec une idée claire de ce que je veux que la musique sonne et que cela soit sauvegardé dans le graphique. Je peux encore m'entourer avec certains de mes meilleurs amis de la communauté musicale et voir ce qu'ils apportent à la musique.
TJG: D’un point de vue superficiel, l’ajout de cette spécificité à la musique via la notation enlève de la liberté aux interprètes. Mais il y a beaucoup de musiciens – on pense certainement à Stravinsky – qui parlent de la spécificité et de la notation comme moyen d'accroître la créativité et la liberté d'expression.
CM: Je pense que dans ce groupe, le sentiment de liberté des musiciens est une mesure de la clarté du tableau. Je pense que certains morceaux de musique peuvent être construits en découvrant son fonctionnement en direct, comme le passage d'une chose à une autre. Mais à la fin de la journée avec ma musique, j’espère que j’apporterai une image aussi claire de ce que je veux que la musique soit, plutôt que de compter sur les autres joueurs pour étoffer quelque chose que je n’ai pas suffisamment réfléchi. . Si cela semble militant, je pense que c'est le cas. Je pense que c'est sorti des années de présenter cette musique dans le sens opposé. Je maintiens cela et pense que nous avons atteint des sommets qui ne pourront être reproduits dans aucun autre groupe. C'était un moment unique avec un groupe présentant la musique de cette façon.
Ce qui me passionne à présent, c’est que je trouve une nouvelle façon d’aborder ce qui m’a inquiété avec ce groupe, à savoir comment dire aux gens de faire les choses différemment, tout en voulant respecter leurs propres choix quant à leurs instruments. L’ancien groupe pouvait faire en sorte que les chansons sonnent radicalement d’un concert à l’autre, et j’ai réalisé qu’à ce stade de ma vie, je voulais prendre davantage en charge la façon dont la musique sonne à chaque fois que je la joue. Faire cela est une compétence, et certains jours, j’ai l’impression d’y être vraiment bon, comme si je passais beaucoup de temps en tant que directeur musical dans un contexte de musique pop. Mais quand c’est ma propre musique, c’est différent.
TJG: Je me demande si c’est aussi une question d’adéquation entre le matériel et la méthode. Comme certaines chansons sont probablement mieux apprises à l'oreille parce que les ornements et les inflexions sont des éléments difficiles à noter. D’autres chansons, comme celle que je pense à Stephen Sondheim, ont une telle spécificité en termes d’harmonie et de contrepoint et forment que la notation est vraiment importante. Pensez-vous que votre processus avec cette musique vers la notation reflète quelque chose d’essentiel sur leur nature?
CM: Ils ont été conçus avec l'éthique du groupe et ils ont travaillé avec cet esprit. Je pense que cela a plus à voir avec les défis de la présentation régulière de la musique que avec la nature même du matériau. La tendance à jouer le même matériel avec les mêmes personnes pendant longtemps est de déconstruire. Le graphique montre que quelque chose de particulier que j'ai mis dans la démo est corrigé et non un modèle à suivre vaguement. Il s’agit d’inclure tous les éléments essentiels. S'éloigner de la déconstruction et de l'abstraction pour aller vers la distillation. Le rêve avec ce groupe et le groupe le plus âgé est le même, et il ne s’agit que d’une lentille différente.
TJG: Cela fait quelques années que vous vous concentrez sur cet ensemble de répertoires restreints, alors que j’ai le sentiment que le «marché du jazz» encourage les joueurs qui écrivent toujours de la nouvelle musique. Pourquoi pensez-vous que vous êtes allé à contre-courant et que vous vous êtes concentré si intensément sur ces chansons?
CM: J’ai le sentiment que mon ralentissement, ou mon statut moins prolifique d’écrivain, est un espace libre qui me permet de puiser dans des aspects de ma vie musicale que j’ai peut-être négligés récemment. J'espère que cette loi inspirera plus d'écriture et créera un espace pour que je puisse imaginer de la nouvelle musique. Ecrire plus de musique est une partie de moi que j'espère me réveiller.
Il y a beaucoup de raisons pour lesquelles l'écriture a ralenti. Cela tient en partie au fait que mon appétit pour l’amélioration de moi-même, dont je considère que la composition fait partie, a considérablement diminué en raison de tout ce qui a été politique au cours des dernières années. Ma vision du monde a pris un coup. Un malaise s’est glissé et a rendu l’écriture plus ou moins futile, ce qui, je le sais, ne l’est pas. Mais c’est juste que ces dernières années n’ont pas été aussi fertiles pour l’écriture. Cela dit, même si j’ai écrit moins de chansons au cours des 3 dernières années, j’ai écrit quelques-unes de mes choses préférées…
TJG: Pour vous situer en tant qu’artiste aujourd’hui, avez-vous le sentiment que votre concentration sur votre répertoire existant est un moyen d’enraciner votre pratique artistique alors que le monde se remplit d’incertitudes croissantes?
CM: Je crois en cela. Je crois en un objectif majeur de l'art, mais je peux aussi être choqué par un art qui a cet agenda particulier de l'art au secours. L'art peut avoir ce but élevé énormément prononcé. C’est peut-être un autre aspect de la composition qui m’a arrêté récemment. Je pense qu’il peut exister un art politique formidable et efficace, mais je suis plus intéressé par la nature des sons et leur expression personnelle. Je pense que l’art peut rétrécir dès lors qu’il aborde plus le but ou le concept extra-artistique que les sons eux-mêmes ou simplement une expression primale.
L’art qui s’efforce d’être super topique crée quelque chose qui devrait être incontrôlable et le met dans un récipient. De manière cynique, il est plus facile de vendre quand il est dans un conteneur. Cela a l'air génial pour les subventions, il est superbe pour les promoteurs. Le danger est que cela dilue le contenu émotionnel de ce qui pourrait être un morceau étrange et non contenu de l'humanité. Il devrait être choquant ou accessible ou euphorique ou triste juste parce que c'est le cas. Je ne veux pas que quiconque me dise de quoi parle la chanson.
Chris Morrissey joue à The Jazz Gallery le jeudi 20 juin 2019. Le groupe est composé de M. Morrissey à la basse, Philip Dizack à la trompette, Jon Cowherd au piano, Ryan Ferreira à la guitare et Dan Rieser à la batterie. Les sets sont à 7h30 et 9h30. Entrée générale de 15 $ (GRATUIT pour les membres), 20 $ de places réservées dans les cabarets (10 $ pour les membres) pour chaque ensemble.