Photo de Jessica Carlton-Thomas, gracieuseté de l'artiste.
Ce mardi 21 mai, le saxophoniste revient à la Jazz Gallery pour présenter un nouveau travail d'une heure intitulé Le milieu des tensions. Écrit pour son trio de travail, le bassiste Walter Stinson et le batteur Matt Honor, aux côtés de la pianiste Dana Saul, le travail explore les liens entre tension musicale et émotionnelle, en travaillant avec des accords denses et dissonants et des polyrhythmes troublants.
Nous avons rencontré Kevin par téléphone pour parler du travail et de son processus d'écriture, juste après son retour de 10 jours de représentations avec son trio à Beijing, en Chine.
The Jazz Gallery: Comment était Beijing?
Kevin Sun: C'était amusant! C'était aussi fatiguant. Pour moi, ce n’est pas si grave, car je retourne tous les deux ou trois mois. Évidemment, pour Walter et Matt, c'était différent – c'était leur première fois en Asie – mais je pense qu'ils ont très bien compris. Nous avons eu de la chance car le temps était magnifique: c'était dans les années 80 pendant la journée et un ciel dégagé dans les années 60 dans la soirée, sans pluie. C’est un peu comme être en Californie.
Voyager était vraiment confortable. Nous avons beaucoup pris le métro, ce qui, je pense, leur a permis de voir plus de la ville et de comprendre le fonctionnement du transport en commun. Le reste du temps, nous avons pris un taxi, beaucoup moins cher qu’ici. Les concerts étaient géniaux – nous avons beaucoup joué, peut-être 10 ensembles de musique, ce qui est plus que ce que nous avons joué depuis un an et demi. C'était vraiment intéressant de jouer les mêmes chansons soir après soir et de voir où nous allions avec eux. De nouvelles idées sont apparues progressivement au fil du processus. Certaines étaient des choses évidentes telles que la transition d'une chanson à l'autre sans pause, comprenant naturellement comment rythmer un ensemble, obtenir la musique dans un certain flux. Nous avons passé un très bon moment et je pensais que le public était intéressé par la musique. J'espère que nous y retournerons.
TJG: À certains égards, c’est comme si c’était beaucoup d’efforts pour arriver là-bas, mais cette capacité à jouer la nuit est tellement rare ici que ça vaut la peine de voyager.
KS: J'en ai parlé à d'autres personnes, mais je me souviens de m'être plaint à Mark Turner du Vanguard de la difficulté de réserver des concerts à New York, mais lors de la réservation en Chine, je peux envoyer un texto au propriétaire du club et ils donnez-moi une date immédiatement. Mais il a dit que c’était le cas pour tout le monde à New York, ce qui était évident et que c’était aussi la raison pour laquelle beaucoup de gens partaient à l’étranger. Parfois, c’est vraiment pour gagner de l’argent, comme dans les grands festivals, mais d’autres fois, c’est juste un moyen d’acquérir de l’expérience sur le kiosque à musique, d’organiser une série de concerts dans différents endroits. Rassembler autant de concerts en Chine était si harmonieux que je peux m'imaginer revenir plus souvent avec d'autres groupes.
TJG: Vous avez cette bonne place avec le trio et ils font maintenant partie de ce projet Middle of Tensions. Comment pensez-vous que la continuité que vous avez développée avec le trio va sortir sur cette nouvelle musique, et comment pensez-vous d’incorporer Dana dans le mix maintenant?
KS: C’était mon plan directeur depuis le début: faire en sorte que le trio se réchauffe vraiment et s’apprête à s’attaquer à cette tâche encore plus difficile. Nous avons déjà joué avec Dana et les gars ont tous des liens très profonds et de longue date. Matt et Dana vivent ensemble, alors ils s'entendent et se voient tout le temps. Ils ont grandi dans la même ville et ont été les premières personnes qu'ils connaissaient à jouer de la musique improvisée et du jazz. Ils ont joué plus longtemps que moi avec Walter et Matt réunis!
Pour ce qui est d'écrire cette pièce, je me suis vraiment concentré sur le trio ces dernières années pour me concentrer sur l'essentiel: voix basse, voix percussive, voix triple. Composer avec un piano ou un autre instrument d'accord, j'ai l'impression qu'il y a tellement de possibilités. Dans le trio, je me sentais à l’origine très contraint. Je ne pouvais pas vraiment écrire de symboles d’accord; Il me suffisait d'écrire une voix de basse et une voix d'aigu. Ces contraintes étaient intéressantes pour apprendre à exprimer des harmonies plus étendues ou certains effets de texture. Un trio de pianos ou de guitares vous permet notamment de disposer d’un orchestre complet. Je ne peux jouer qu’une note à la fois, ou tout au plus un couple, et c’est différent. C’est pourquoi il est magnifique d’avoir une personne capable de libérer des tonnes d’informations sur le terrain et de créer beaucoup de couleurs. Dana est l’une des personnes que je connais qui est la meilleure dans ce domaine. Il ne fait que générer ce kaléidoscope de couleur et de texture. C’est son pouvoir magique. Je ne sais pas comment le décrire – il a vraiment son truc au piano que j’adore, et j’ai l’impression que cela complète les différents aspects que Walter et Matt apportent également à la table.
TJG: Comment le fait d'écrire de la musique en trio a-t-il eu une incidence sur votre processus de composition?
KS: Ces deux dernières années, j’ai volontairement arrêté d’écrire sur un instrument et je viens d’écrire directement sur papier. Je vais le vérifier parfois, mais même si cela semble étrange au piano, j’aime bien le garder car c’était quelque chose que je n’aurais jamais écrit autrement. C’est assez amusant de le faire, quand on est obligé de rendre cette idée expressive ou de trouver une expression par différents moyens. Je suis maintenant dans un espace où je ne crains pas de toucher le piano. Je ne pense pas que le piano va ruiner mes compositions. Je pense que maintenant je peux travailler confortablement avec le piano pour m'aider à raffiner les couleurs et le son que je recherche.
Une autre chose à propos de cette musique est que j'essaie d'être assez précis en termes d'écriture des accords réels. Dana et moi avons eu cette autre chose de quintet avec différentes basse et batterie et aussi trompette (ed. Remarque: , avec Adam O’Farrill, Simón Willson et Dayeon Seok, dont la première a eu lieu à la Galerie en mai 2018), mais pour cela je n’ai écrit aucune partie de piano. Quand nous l'avons enregistré en février, Dana a en fait composé sa propre partie pour piano! Je pense qu'il a ressenti ce sentiment tout au long de la pièce et il a essayé de la rendre plus fixe ou d'avoir un point de référence plus fixe.
C’est la même chose avec cette pièce – il ya beaucoup plus de définition que la simple écriture de symboles d’accord. Je voulais vraiment le rendre extrêmement dense en termes d’harmonie et de rythme, mais je sais aussi que je ne veux pas que Dana soit comme un ordinateur et le lise. Dana pourra peut-être répéter quelque chose sur plusieurs registres, ou s'il y a quelque chose qui ressemble à un gros accord de 10 notes, il trouvera un meilleur moyen de l'exprimer, ou de faire quelque chose de plus, ou de laisser de côté. J'aime ça. Cela maintient la dynamique et garantit que la pièce est toujours quelque chose que nous explorons et créons collectivement en temps réel.
TJG: Comment cette approche détaillée et spécifique de l'écriture partielle a-t-elle un impact sur la façon dont vous improvisez collectivement en tant que groupe? Que pensez-vous d'extrapoler à partir de ce type de matériau plutôt que de symboles d'accord?
KS: C’est quelque chose avec lequel je me suis vraiment battu au lycée et au collège: créer différents espaces pour improviser. J'aime beaucoup jouer sur les changements. C’est ce que j’ai commencé avec, et je l’étudie toujours, mais il ya quelque chose à dire à quel point peut-on aller avec cette séquence d’accord préétablie. À l’époque, j’avais pensé à l’époque que l’objectif était d’ajouter de nombreuses substitutions afin de le rendre plus intéressant, mais vous vous retrouviez alors dans une impasse. Si vous pensez seulement que c'est la chose la plus intéressante que vous puissiez faire, la musique perd tout son sens. Une chose qui m’intéresse dernièrement est d’essayer de comprendre et d’entrer dans la logique tonale de la musique, en pensant aux mêmes principes généraux de tension et de relâchement, en créant un espace dans lequel l’auditeur peut se sentir et ressentir ses émotions.
TJG: J'aimerais parler un peu plus de cette relation entre tension musicale, au sens technique, et tension émotionnelle. Quels sont les vecteurs musicaux de cette tension émotionnelle dont vous parlez?
KS: C’est une façon très simpliste de penser à cela, mais beaucoup de choses sont différentes, deux choses différentes se produisent en même temps, comme des tempos différents. Il ya ces polyrythmes où vous êtes alignés, puis vous vous éloignez pendant un moment, puis vous vous croisez à nouveau, et il est difficile de dire s’il existe un pouls dominant. Du côté harmonique, il y a ces accords denses et on dirait que ça va se résoudre, mais ça ne résoud pas vraiment, ou ça le résout, mais la résolution n'est pas totalement satisfaisante car il y a beaucoup de choses qui se passent dans Là. C’est implacable.
Il y a quelque chose à propos de cette qualité de vie implacable, en particulier à New York. Cela n’abandonne pas, n’allège pas. Je pense que Walter, Dana et Matt ne veulent pas dire que tout le monde est névrotique, mais il est tout à fait vrai que tout le monde a certaines choses sur lesquelles il est obsédé, et chacun a sa propre opinion sur la façon d'exprimer le temps et de raconter à une autre. À certains égards, le morceau de musique est juste une chance pour nous de nous réunir et de voir ce que nous pouvons en faire. Je pense naturellement que ce sont des moments de tension lorsque vous optez pour quelque chose qui comporte beaucoup de risques. C’est cool si tout le monde est sur la même page, mais j’ai parfois l’impression que je devrais peut-être me retenir plus longtemps, ou peut-être que je devrais lâcher exprès.
J'essaie de ne pas donner trop de direction. Je sais que Dana et Matt ont beaucoup pratiqué la pièce ensemble parce qu'ils vivent ensemble, mais je sais qu'ils ont eu des moments tendus à répéter, comme une partie où il commence avec une polyrythmie de 9 sur 4 puis passe à 7 sur 5, ou quelque chose comme ça. comme ça. Il peut être difficile de comprendre comment on accélère ou ralentit.
Bien que j’apprécie la précision et l’exécution musicale, honnêtement, en fin de compte, ce n’est pas l’aspect le plus important de la musique pour moi. J'espère que personne n'ira jamais voir la partition, à l'exception de ces musiciens; pour l’auditeur, j’espère que ce ne sera jamais à propos de la subdivision. Il s'agira davantage d'avoir ce sentiment d'instabilité qui est utile. Je ne veux pas faire ces choses rythmiques complexes juste pour montrer que nous pouvons les exécuter. L’important n’est pas tant d’éléments formels que de savoir comment vous pouvez obtenir ces émotions de manière personnelle.
TJG: Cette discussion du processus et de l’expression concernant le rythme fait penser à Olivier Messiaen. Es-tu dans sa musique?
KS: J'adore Messiaen, en particulier sa musique pour orgue.
TJG: Il est probablement mieux connu pour son approche particulière en matière d’harmonie et de couleur, mais il s’intéresse également aux processus rythmiques particuliers et à la division du temps. l’importance pour les auditeurs de savoir exactement ce qui se passait en rythme, et il a essentiellement dit non, que si l’auditeur subissait un choc, ou une réaction émotionnelle, c'est tout ce qui importait.
KS: Je me souviens d’avoir regardé certaines de ses partitions avec un ami. Nous écoutions des enregistrements et nous pouvions dire que l’interprète ne jouait pas les rythmes avec exactitude, bien qu’ils fassent de très gros efforts et qu’ils se soient clairement préparés énormément pour le spectacle. C'était probablement impossible sauf pour une machine. Ce genre d’écriture est une tâche délicate car d’un côté, c’est vraiment excitant de travailler, mais en ce qui concerne le moral du groupe, si vous demandez au groupe de jouer quelque chose de très difficile, puis dites que c’est bien si ce n’est pas tout à fait correct, pourquoi nous faites-vous tellement pratiquer? Nous voulons nous rapprocher le plus possible sans nous tuer.
Une autre chose que j’ai trouvée est que si vous écrivez quelque chose qui est un peu hors de portée, il y a cet espace vraiment intéressant où l’exécution n’est pas parfaite, mais il ya aussi cette friction et cette humanité. C'est comme si le battement est si large qu'il dépasse ce que l'on pense qu'un battement peut faire. Il ne s’agit pas d’un temps métronomique parfait, mais d’une contraction et d’une dilatation du temps, comme une force de précipitation et une force de ralentissement, qui se font contrepoids.
Lors de la dernière nuit en tournée à Beijing, nous jouions cette chanson qui comporte au départ une ligne de basse, un ostinato au rythme régulier. Mais quand Walter a commencé à jouer, c’était un peu un rubato et un peu à l’heure, mais c’était définitivement faux. C'était incroyable parce qu'ils ressentaient ce sentiment. C'était si brut, je pense que cela résume ce que nous ressentons parce que nous étions tellement épuisés de jouer beaucoup et d'essayer de manger le plus possible de bonne nourriture et de rester à l'écart et de côtoyer des musiciens.
TJG: À certains égards, j’estime que les mécanismes de chronométrage musical des humains sont plus souples que la grille suggérée par la notation musicale occidentale. Mon professeur de premier cycle était un joueur de violon traditionnel et a beaucoup joué avec cette musique de danse folklorique norvégienne qui a trois temps pour un bar, et chaque temps est d'une durée différente, mais il n'y a pas de subdivision commune. C’est juste un long battement, un battement moyen et un battement court, mais vous pouvez danser et cela a un groove très fort. Parfois, les polyrythmes peuvent sembler vraiment complexes sur la page en termes de ces grilles imbriquées, mais j'estime que nous pouvons apprendre à nos corps à les ressentir de manière intuitive.
KS: Je pense que la notation n'est qu'un outil, un moyen de suggérer rapidement aux musiciens le son de la pièce. Si je pouvais enseigner un groupe entièrement à l'oreille, ce serait génial, mais je n'ai que trop de temps. Je sais que ces gars-là sont de bons lecteurs. Nous pouvons donc commencer rapidement à aller au-delà du stade où nous nous contentons de lire et à commencer à écouter ce qui se passe et à réagir à cette écoute. C’est le plus excitant pour moi dans un contexte de quatuor. Je suis vraiment heureux de pouvoir prendre du recul et d’écouter le reste du groupe, et de me perdre dans la mer de rythmes mystérieux qui se produisent tout autour.
Kevin Sun présente Le milieu des tensions à la Jazz Gallery le mardi 21 mai 2019. Le groupe comprend M. Sun au saxophone ténor, Dana Saul au piano, Walter Stinson à la basse et Matt Honor à la batterie. Les sets sont à 7h30 et 9h30. Entrée générale de 15 $ (GRATUIT pour les membres), 20 $ de places réservées dans les cabarets (10 $ pour les membres) pour chaque ensemble.
