Doug Wamble pose avec son tricone cutaway Mule Resophonic, une machine à diapositives sur mesure haut de gamme qui correspond parfaitement à sa mission d'exploration de formes musicales à base folklorique, y compris le blues. Les mules sont construites dans le Michigan par le luthier Matt Eich.
Photo de Kat Hennessey
Récemment, le guitariste, chanteur et compositeur Doug Wamble nettoyait le contenu d’un vieux disque dur lorsqu’il a redécouvert une mine de musique qu’il avait enregistrée à partir de la fin des années 1990. La majeure partie de ces sessions, dans différents contextes, n'a pas été publiée. Wamble dit: «Dans l’ensemble, j’ai pensé, hé, il y a de bonnes choses ici!»
Cela faisait quelques années que Wamble avait sorti un album – 2015 Le voyageur: vit à New York –il entreprit donc l'ambitieuse entreprise consistant à organiser la musique en une série de neuf albums. Puis, en avril dernier, il a sorti son 9 pour 19 projet, un nouvel album chaque mois pour les trois derniers trimestres de 2019, disponible via Bandcamp.
Wamble, originaire de Memphis et installé à New York depuis deux décennies, est considéré comme un guitariste de jazz, mais 9 pour 19 montre clairement que cette étiquette est trop restrictive. Bien que Wamble maîtrise en effet le bebop et les styles d’improvisation modernes, il puise librement et profondément dans la musique traditionnelle américaine de toutes les époques, ainsi que dans la pop actuelle, et est également un auteur-compositeur interprète accompli.
En termes de concept et de vocabulaire, ainsi que de production et d'articulation de tonalités, Wamble est moins informé des repères évidents à six cordes que de grands musiciens de jazz comme Louis Armstrong et Thelonious Monk. Wamble est également à l'aise avec les styles de fretting standard et de goulot d'étranglement, comme en témoignent ses travaux aux côtés de Wynton et Branford Marsalis, Cassandra Wilson et d'autres notables, ainsi que dans son travail de chef d'orchestre et de compositeur interprète. Le concept chaleureux et raciste de Wamble s’étend à ses partitions pour une série de documentaires de Ken Burns: Interdiction, La guerre du vietnam, et Le Central Park Five.
PG atteint Wamble chez lui, dans le quartier de Harlem à New York. Alors qu'il restituait un vieil archtop Kay, il décrivit comment, après avoir commencé la guitare à un âge relativement tardif, il avait réussi à harmoniser son style. Il a également partagé ses réflexions sur l’état de l’éducation au jazz depuis son poste de professeur de Juilliard et a expliqué pourquoi vous devriez écouter de la musique que vous n’aimez pas.
"Je pense beaucoup au timbre – sur quelle partie de la corde je vais frapper une note pour obtenir une couleur particulière."
Vous êtes du sud. Quels ont été les débuts de votre parcours musical là-bas?
J'ai grandi à Memphis, qui a joué un rôle déterminant dans ce que je deviendrais en tant que musicien. Ma mère était pianiste dans notre église baptiste et mon grand-père maternel jouait de la guitare à la maison. J'ai grandi au milieu de son amour pour les vieux gospel et les chansons country. Il y avait toujours de la musique à Memphis – la grande époque de Stax et Hi Records, ainsi qu'Elvis, évidemment.
Ma vie musicale a commencé dans le groupe de l'école. Je jouais de la clarinette et cela m'a amené à la guitare. Quand j'avais environ 18 ans, juste avant de commencer mes études, j'étais fasciné par certains clips du groupe de Benny Goodman que j'ai vus sur la chaîne câblée AMC. Je suis donc allé à la bibliothèque et j'ai obtenu un disque de Goodman avec Charlie Christian, et c'est tout. moi en feu. Cela ressemblait à toute la musique de guitare blues que j'ai adorée, mais avec une sophistication supplémentaire. Vers la même époque, ma mère m’a emmenée voir le groupe de Harry Connick, et Russell Malone jouait de la guitare. C’était la première fois que j’entendais vraiment parler d’un grand joueur de guitare jazz en direct et en personne. J'étais comme: «D'accord, je dois faire cette. "
Qu'est-ce qui s'est passé ensuite?
Je me suis inscrit à l'école de Memphis en tant que spécialiste en technologie d'enregistrement, car quelque chose à ce sujet me semblait légitime. Au même moment, je commençais tout juste à écouter des disques et à transcrire des solos de guitare. J'y ai plongé et j'ai progressé assez rapidement. Je savais seulement trois accords de cow-boy avant l'université. Ils n’avaient pas de professeur de guitare à plein temps à Memphis, j’ai donc étudié un peu avec un grand guitariste qui vient de passer, Calvin Newborn, qui était le frère de Phineas Newborn [pianiste de jazz]. Pour approfondir mes connaissances en guitare, j'ai été transféré à l'Université de Floride du Nord, où j'ai étudié avec Jack Petersen, un guitariste et éducateur de jazz incroyable. Il a été le premier professeur de guitare à Berklee dans les années 60 et a enseigné à des joueurs tels que John Abercrombie et Mick Goodrick. C’est pendant ces années où j’étais en Floride que ma vie musicale a commencé à se consolider.
Décrivez comment cela s'est passé pour vous.
Eh bien, je suis toujours guidé par un amour de la musique américaine. Et qu’il s’agisse du blues du Delta, du bluegrass ou du gospel du bon vieux temps, j’ai toujours entendu ces éléments du jazz que j’aimais vraiment. Que ce soit Louis Armstrong ou Ornette Coleman ou John Coltrane ou Thelonious Monk, j'ai entendu cet aspect folk très fort. Pour moi, peu importe l’amélioration ou l’abstraction de la musique, ce que j’ai le plus connecté, c’est la musique qui montre ses racines américaines. Mais je dis toujours à mes étudiants tout le temps qu’ils doivent écouter de la musique qu’ils n’aiment pas forcément.
Pourquoi donc?
Je n’aime pas vraiment la musique de Miles Davis des années 1960 avec Herbie [Hancock] et Wayne [Shorter]. Cela ne résonne pas avec moi et je n’aime pas l’écouter. Mais cela ne veut pas dire que je n’ai pas besoin de le savoir. C’est toujours très, très important. Ce que ce groupe a fait était crucial. Je connais des musiciens de jazz en herbe qui n’aiment pas [Thelonious] Monk, mais c’est quand même une personne qu’ils doivent voir. Vous devez être capable d’obtenir ce que vous devez apprendre d’une musique que vous n’aimez pas. Et j’ai toujours été très conscient de cela. Mais définitivement, en ce qui me concerne, c’est toujours la musique qui est reliée à la tradition populaire.
Est-ce que cela vient de votre éducation, de l'endroit où vous avez grandi?
Je ne sais vraiment pas. Il y a certainement beaucoup de gens de ma génération qui n’apprécient pas cette musique [de racines américaines]. Je pense que c’était juste une question de trouver quelque chose qui avait beaucoup de sens pour moi une fois que je l’avais entendu. Et j'ai en quelque sorte suivi ce chemin. Je pense que si vous vous engagez sur un chemin, vous essayez de trouver les personnes qui parlent votre langue. Et rencontrer des gens comme Wynton, c’était très important pour moi de rencontrer quelqu'un dont le travail avait définitivement une tradition folklorique. Même avant que je le connaisse, sa musique m'a amené à embrasser le côté plus traditionnel des choses.
Beaucoup de musiques insistent pour être qualifiées de modernes, ce qui donne aux interprètes la permission de se dégager de toute responsabilité vis-à-vis de n'importe quelle tradition et de faire tout ce qu'ils veulent, comme un groupe de jeunes de 19 ans jouant des problèmes de math sur le kiosque à musique . Je ne suis pas partisan de cette approche: abandonner toute notre culture et toutes nos normes et dire que nous devons simplement être nouveaux et déconnectés de tout. Que ce soit la musique ou une tradition selon laquelle les gens maintiennent un minimum de comportement présidentiel, vous voyez ce qui se passe lorsque vous dites: "Laissons tout cela par la fenêtre".
Comment avez-vous commencé à travailler avec Wynton Marsalis?
Quand je suis arrivé à New York en 1997, Wynton m'a immédiatement demandé des arrangements, m'a recommandé pour une tonne de concerts et m'a mis sur un disque de son disque [Grand train]. C'était vraiment un rêve devenu réalité. Et puis, il y a quelques années, il m'a amené à la faculté de Juilliard. Ainsi, depuis 25 ans, il me donne des opportunités et croit en mes capacités. En fait, je joue avec lui la semaine prochaine. Nous avons travaillé sur tous ces arrangements pour ce concert que nous organisons pour célébrer un nouveau film de Ken Burns intitulé Musique country. Ce sera le groupe du Lincoln Center avec Emmylou Harris et Marty Stuart, ainsi que d’autres musiciens country.